声音肖像的创作，在尹世宪冷峻而精准的指引下，如同一场在显微镜下进行的外科手术。朴智雅收集来的那些混乱的、基于身体反应的“内在声景”——被尹世宪视为原始的、充满生命力的“细胞组织”。
他的方法，不是将这些“细胞”强行塞入一个预先设定的流行歌曲框架，而是反其道而行之。
“流行音乐的结构，是容器。”尹世宪在准备间的白板上，用马克笔画出简单的ABA’结构图，又在旁边画了一个不规则的、不断膨胀又收缩的有机形状，“但‘肖像’，尤其是你这种从内部感知生长出来的‘肖像’，不应该被塞进标准容器里。它应该有它自己的生长逻辑，自己的骨骼和肌理。”
他开始教朴智雅最简单的音乐构成元素，但不是从和弦理论或音阶开始，而是从“音色”和“织体”入手。
他将朴智雅那些扭曲的、不成调的人声采样，用专业的音频软件进行切片、拉伸、倒放、叠加复杂的调制效果。一段代表“撕裂”的喉音哀鸣，被处理成忽远忽近、如同鬼魅低语的背景铺底；那段模仿“钝击”的胸腔顿音，则被强化了低频，变成了歌曲中隐隐搏动的、不祥的“心跳”节奏基底。
“你的声音，是颜料，也是画笔。”尹世宪操作着电脑，屏幕上复杂的波形和频谱图不断变化，“现在，我们要用这些‘颜料’，先铺出‘肖像’的底色和阴影。”
同时，他要求朴智雅尝试用那架便携键盘上最简单的合成器音色，去“寻找”与她自己那些声音采样能够“对话”的乐器声音。不是演奏旋律，只是寻找“质感”。例如，一个经过调制后听起来像生锈铁片摩擦的合成器pad，用来呼应“撕裂”；一段极其低沉、几乎只有泛音在移动的 bass drone，用来加强“钝击”的沉重感；一段加了大量混响、飘忽不定的风铃声采样，用来勾勒“寂静裂痕”边缘那种脆弱的微光。
这个过程极其枯燥，且充满挫败感。大部分时候，朴智雅调出来的声音都奇怪难听，或者与她的采样格格不入。尹世宪很少直接给出答案，只是在她尝试时，偶尔会吐出几个简短的词：“太亮”、“太干净”、“缺乏‘脏’的质感”、“动态太平”。
金宥真、崔秀雅、李瑞妍在一旁看着，几乎帮不上任何忙。她们只能负责后勤保障，端茶倒水，用身体挡住部分过于直接的镜头，在朴智雅因为反复失败而显露出焦躁或沮丧时，及时用眼神或细微的动作安抚她，或者干脆插科打诨，试图缓解过于紧绷的气氛。
然而，节目组显然不会满足于这种“技术宅”般的幕后创作过程。他们需要“故事”，需要“冲突”，需要“看点”。
第一次“创作进度中期检查”，在录制开始的第五天举行。
所有参赛者再次聚集到主演播厅。这一次，舞台被布置得更像是一个实验室或工作坊，每组都有一个简单的演示区域，可以播放音频片段，或者进行极简的现场演示。
气氛比第一次见面时更加紧张。短短几天，高强度、高压力的创作，以及与其他组偶尔在公共区域（如咖啡间、器材室）的擦肩而过、隐约听到的片段，都在无声地滋长着比较、竞争，乃至隐隐的敌意。
主持人依旧热情洋溢，但问题却开始变得尖锐。他要求每组简要阐述目前的创作理念和进展，并播放一段不超过30秒的“核心动机”或“最具代表性的声音片段”。
轮到Ethereal时，镜头立刻锁定了被三位姐姐隐隐护在中间的朴智雅。她今天依旧穿着简单的卫衣牛仔裤，素颜，头发松松扎着，眼下有淡淡的阴影，但眼神却比刚来时沉静了许多，那是一种经过高强度精神劳作后的、带着疲惫的专注。
“我们这组的创作主题，暂时叫做‘内向的共振’。”金宥真作为队长，承担了主要阐述的任务，语气平稳，将尹世宪那些抽象的概念，尽量用通俗的语言包装，“试图捕捉和表达我们智雅在特定时刻，内在情绪与外界声音碰撞时产生的、非常个人化的身体与情感反应。”
很艺术，也很模糊的说辞。
“那么，可以让我们听听这个‘内向的共振’是什么样的吗？”主持人笑着追问，目光却紧盯着朴智雅。
尹世宪事先已经准备好了音频。他站在控制台后，对音响师点了点头。
演播厅里顶级音响系统，流淌出一段极其特别的“音乐”。
首先涌入耳朵的，是一段低沉、缓慢、带着不规则脉冲感的电子节奏，像一颗沉重而病态的心脏在遥远地跳动（“钝击的共鸣”基底）。紧接着，一层冰冷、空旷、带着金属质感的合成器pad铺开，营造出巨大的、令人不安的空间感。然后，在这一切之上，飘入了朴智雅那段经过处理的人声采样——那扭曲的、拉长的、介于痛苦与释放之间的喉音哀鸣（“撕裂的共振”），它被处理得忽隐忽现，如同幽魂在巨大的空间里游荡、叹息。
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